EL TIEMPO DE ERNESTO

Juanma Salvador

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Este trabajo nace a raíz de unos objetos encontrados de mi abuelo. Estos son objetos fabricados por él, cosas que acumulaba, y fotografías que hacía. Mi abuelo se pasaba días enteros sin salir de casa y sin saber qué hacer con su tiempo. Lo invertía en hacer cosas, en escribir y en hacer muchas fotografías. Podía gastar carretes enteros fotografiando nubes, o flores, o el suelo, o su propio reflejo en el cristal. ¿Qué pasa cuando una persona tiene todo el tiempo del mundo para hacer estas cosas? Mi abuelo se dedicaba a hacer estas cosas, y al mismo tiempo iba perdiendo poco a poco la cabeza. Pasaba las horas solo, escribiendo, haciendo fotografías y manualidades, pero aún así se aburría continuamente, se desesperaba con el paso del tiempo, deseaba que llegará el momento de la cena, o de salir a la calle, o de que alguien le hiciera una visita. Para los demás el tiempo pasaba demasiado deprisa, mientras que para él era al contrario.

Mi abuelo y yo teníamos dos percepciones distintas de lo mismo: aquello que está marcado por las agujas del reloj. Se trata de una convención internacional, pero al mismo tiempo es una de las mayores sensaciones que existe. No percibimos todos igual el paso del tiempo. No es nada nuevo si os digo que el tiempo es una magnitud relativa.

Si yo cojo un reloj y miro sus manecillas para ser consciente de cada segundo que pasa, tampoco soy consciente del tiempo real, porque me parecería aquí que el tiempo pasa muy despacio. Del mismo modo puedo coger un objeto cualquiera que gire a una velocidad constante y a través de él puedo igualmente ser consciente del paso del tiempo. Lo que he querido tratar en este proyecto es un fenómenos óptico sencillo: lo que quiero cambiar no es la velocidad a la que gira un objeto, sino su percepción. ¿Cómo? Alterando la información que llega a los ojos. Si cambio el parpadeo de la luz puedo hacer que los objetos cambien de velocidad aunque su movimiento sea constante.

La manera de resolver esta idea surgió a partir de un taller que hice en Barcelona este año con el artista Bruce McClure. Este hombre trabaja en lo que se conoce como cine expandido, es decir que no solo contempla en su trabajo la película en sí, sino el propio acto de la proyección. En sus performance hace proyecciones con hasta cuatro proyectores de cine a la vez. También trabaja con luces de estrobo.

Otro antecedente es José Val del Omar, que trabajaba mucho con fenómenos ópticos a través de la luz. En su película “Fuego en Castilla” (1960) ilumina con varias fuentes de luz estatuas consiguiendo dar la sensación de movimiento en ellas, siendo estas totalmente inmóviles.

También me ha parecido interesante en trabajo de Bill Vorn, sobre todo esta instalación de luces llamada Evil/Live (2004), en la que sumerge al espectador en un espacio de luces que consiguen un efecto hipnotizante.

Mi instalación consiste en una serie de motores colgados del techo y girando todos a la misma velocidad constante. Cada motor tiene un aspa a modo de manecilla de reloj, que girará a una velocidad muy rápida. Y todo el espacio está iluminado por una luz de estrobo cuyo parpadeo depende de la posición del espectador en el espacio. ¿Cómo conseguir la interactividad con el fliqueo de la luz? A través de un sensor colocado en el suelo (llamado sensor de ultrasonidos) que detecta en qué posición se encuentra el espectador, y en función de esta le dice a la placa de arduino, que tiene conectada a su salida la luz de estrobo, a qué frecuencia esta debe parpadear.

A modo de conclusión, pienso que el tema tratado es muy amplio y permitiría muchas interpretaciones. Yo he elegido esta y me he metido por caminos más tecnológicos. Estoy satisfecho con el trabajo, y pienso haber resuelto bien la idea que quería tratar: es decir, de qué manera algo no depende solo de sí mismo, sino de la percepción que cada uno de nosotros tengamos. En este caso, las manecillas de estos motores giran a su mismo velocidad, pero nosotros no lo percibimos igual según desde donde lo miremos. El tiempo, como muchas otras sensaciones es una magnitud totalmente relativa y subjetiva.

MANUAL PARA EL CUIDADO Y USO DE LAS PRENDAS DE VESTIR

María Espinosa

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A grandes rasgos, el proyecto realizado es un manual práctico y sencillo para el cuidado y uso de las prendas de vestir. Generalmente, manual se define como un libro en el que se recopila lo más sustancial de una materia. En este caso concreto, dicho manual pasa las fronteras del formato literario y se convierte en una actividad visual, esquemáticamente organizada e interactiva:

-Visual porque en lugar de trabajar sobre la palabra, se ha trabajado con la imagen fotográfica.
-Organizado esquemáticamente, por el hecho de que “imita” el código visual y conserva el espíritu de un manual al uso, como los de prevención de riesgos que se pueden encontrar en el asiento de un avión en un vuelo comercial.
-Interactivo porque las fotografías están ubicadas dentro de una instalación.

La idea de este proyecto surge a raíz de un trabajo que se basaba en captar, a través de la fotografía, la imagen de personas anónimas. Lo que más resaltaba en ellas era el cuidado que los fotografiados daban a la apariencia externa, a pesar de lo espontáneo de la acción. Al entenderse que los individuos, inconscientemente, buscan el reflejar un aspecto determinado de ellos mismos, surge la idea de realizar un manual sencillo para despejar dudas acerca de cómo cuidar adecuadamente las prendas de vestir, que al fin y al cabo es uno de los signos que nos identifican.

Como fuentes de inspiración para llevar a cabo esta idea se han buscado trabajos que sigan dichas líneas de diálogo. Como por ejemplo, los manuales de instrucciones que acompañan a los electrodomésticos o, como he citado anteriormente, las tarjetas de seguridad en las cabinas de los aviones.

A través de esta investigación he conocido el trabajo del ilustrador Matt Vescovo, quien trabaja sobre este tipo de instrucciones para representar los actos más habituales de la vida cotidiana, con el fin de evidenciar lo absurdo de los mismos.

A través de la búsqueda de un tema relativamente insustancial, se gesta una actividad que pretende apelar al sentido del humor del espectador. Es decir, junto a las imágenes, se disponen una serie de objetos que convierten el espacio en un taller de prácticas: una mesa de planchar o un barreño lleno de agua se colocan en la sala a disposición de los visitantes para que, guiados por el manual adjunto, ejerciten determinadas acciones. A pesar de que éstas pueden resultar cotidianas y simples, son numerosas las ocasiones en las que se evidencia un mal uso de dichas acciones, o la falta de ellas.

Con ello, no sólo se rompe una lanza a favor del cuidado de la imagen externa, que nada tiene que ver con una distinción de clases. Este proyecto también cuenta con un transfondo que marca el objetivo de concienciar acerca del cuidado de las prendas de vestir, puesto que, hoy en día, y con el auge de grandes multinacionales textiles en las que se adquiere ropa por un precio medianamente reducido, nos hemos mal acostumbrado a tratar la ropa como un objeto, casi de usar y tirar.

Como ya he dicho anteriormente, con este trabajo, apelo al sentido del humor del espectador. Con esta premisa, la pretensión es crear un espacio lúdico a través del cual se aumenta el nivel de trascendencia de un acto cotidiano como puede ser planchar un pantalón o tender una camiseta.

Con cierto tono sarcástico, se facilita al público conocimientos como la forma adecuada de planchar una camisa, ya que en numerosas ocasiones se apela al desconocimiento del uso de este tipo de electrodomésticos, para justificar el no realizar dicha acción.

Gracias a ello se crea un ambiente de esparcimiento en torno a la instalación: el espectador se introduce en una burbuja, en la que se centra en un tema intrascendente, dejando atrás por unos minutos asuntos que realmente le preocupen.

En primer lugar, se han realizado cuatro series de fotografías con cuatro acciones y modelos distintos. Se ha empleado una cámara digital réflex y tres focos sobre un escenario blanco. En el encuadre no entra la cabeza del modelo, ya que de este modo se afianza el carácter global que se pretende dar a la pieza. Es decir, el modelo actúa como maniquí, no es trascendente, gracias a lo cual se enfatiza la acción. Una vez tomadas las fotografías, se realizan cuatro composiciones que emulan los manuales ya mostrados.

Y, por último, se insertan dichos manuales en un espacio en el que se presentan los objetos para realizar las determinadas acciones.

La primera y última fotografías de cada serie evidencian la necesidad de incrustar el medio por el que se ha llegado de un punto a otro.

Se realizan fotografías estáticas, que se centran exclusivamente en la acción realizada.

Este proyecto tiene un carácter espontáneo. Lo que más interesa es el momento de participación, o no, en este taller. Que los espectadores entren en contacto con los objetos.

No he buscado aportar algo nuevo con este trabajo, ningún aspecto trascendental. Simplemente apelar al sentido del humor, al esparcimiento del espectador y al mío propio, ya que durante el periodo de trabajo he conseguido dejar a un lado asuntos que de verdad me preocupan. En mi caso particular, cuanta más presión esté padeciendo en algún momento, más insustancial y superficial es el tema sobre el que trabajo. Actúa como una válvula de escape.

LA MANIPULACIÓN DE LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN: CHERNOBIL

María Rosa González

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Basándome en la información recopilada sobre lo sucedido en Rusia, en la central nuclear llamada Chernóbil, realizo un proyecto en donde hablo sobre la actuación de los medios de comunicación con respecto a este suceso.

En 1970 en Rusia se crea una central nuclear llamada Chernóbil, en donde también se construye la ciudad de Pripiat destinada a los empleados de la planta.

A mediados de los años 80 en Rusia se vivía una época de aperturismo político llevado a cabo por Gorbachov que planteaba un sistema de gobierno llamado Glasnost, con ella los medios de comunicación tenían mayor libertada para criticar el sistema de gobierno vigente. En abril de 1986 se produjo una explosión en uno de los reactores de la central. Mediante un protocolo de seguridad, a partir de este momento, se movilizaron todos los sistemas de emergencia y los bomberos intentaron apagar el incendio en vano. Al cabo de unas horas se dieron cuenta de que aquello no era un incendio, sino que el accidente había dado lugar a la suspensión de gran cantidad de material radiactivo que podía acabar en una catástrofe todavía mayor.

Al tercer día del accidente el gobierno decidió evacuar a toda la ciudad, diciéndoles que volverían a sus hogares en cuestión de semanas, sin darles ninguna explicación. En ese mismo instante, en la central, se necesitaba mano de obra para paliar los efectos de la catástrofe, por lo que se dispuso de mucha gente, militares y civiles para poder retirar los escombros producidos por la explosión y posteriormente sellar el foco de donde emanaban las particulas radiactivas que estaban contaminando la ciudad. A ellos tampoco se les informó de que iban a trabajar en un ambiente radiactivo y que corrían peligro de muerte. Mientras tanto muy cerca de la catástrofe la vida era totalmente normal, la gente hacía su vida ajena a lo que estaba pasando, hasta tal punto que el uno de mayo, día del trabajador, en la prensa y la televisión se animaba a la gente a que celebrada dicho día. Actualmente a pesar de que el estado prohibió que se habitara estas zonas contaminadas, todavía hay gente que vive ahí, y muchos de los que vivieron ese momento y estuvieron expuestos a este ambiente radiactivo tienen problemas de salud, concretamente distintos tipos de cáncer y patologías especialmente en los niños.

En mi proyecto trato, precisamente, esa contraposición en la que en una época donde se dio mayor libertad a los medios de comunicación para informar acerca de los asuntos del estado ruso, sucedió otro hecho muy distinto. No sólo hubo una desinformación, sino una manipulación de dicha información, porque durante casi veinte años no se ha podido saber nada sobre lo sucedido en Chernóbil. Para ello en este proyecto represento cuatro imágenes que para mí son la más relevantes y que reflejan cómo se sucedieron dichos acontecimientos. También me valgo de textos sacados de una entrevista realizada al que era, en ese momento, profesor del instituto de radiología en Bielorrusa, Berlard Nesternko, en el que cuenta su vivencia personal en el momento del accidente. En el primer trabajo represento el momento en el que los liquidadores, llamados así a los hombres que, expuestos a niveles altísimos de radiactividad, consiguieron limpiar los escombros de la central producidos por el accidente y posteriormente colocaron la bandera de su país como símbolo de triunfo a la radiactividad. En el segundo trabajo represento una obra con varias bocas cerradas que hacen referencia al silencio por parte de los medios de comunicación. En el tercer trabajo muestro un momento en el que un señor ve a dos policía con la indumentaria que se utilizaba en caso de amenaza radiactiva y de cómo ellos hacen caso omiso a este señor fingiendo normalidad. En el último trabajo muestro una imagen de dos niños que viven en zonas contaminadas y las condiciones en las que viven.

Como conclusión de mi proyecto he de decir que a nivel personal he podido profundizar un poco más sobre lo sucedido en Chernóbil puesto que para mí era un suceso que conocía muy superficialmente, pero de igual forma no he podido saber con certeza lo que ocurrió verdaderamente ya que se ha mantenido en secreto durante muchos años y aun hoy se sigue especulando sobre este hecho, pero por otro lado me ha servido para reafirmarme en la idea de que los medios de comunicación han de ser una institución independiente de todo sistema dominante e ideología política.

LÍNEA H. JOYAS DE HOMBRE

Consuelo Guaita Puerto

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La joya del hombre es un mercado poco evolucionado. Pretende atender a una nueva estética que sólo se ha contemplado en aspectos grises en artículos de alfileres para corbata, gemelos y otros complementos que marcan un estereotipo de masculinidad rancia.

El desarrollo de la idea obedece a un interés por retomar la joya como obra de arte confiriéndole, como objeto, el valor de una pequeña escultura, jugando con la superposición de diferentes metales para la consecución de su volumen.

Todo el proceso de rayar el metal, oxidarlo, combinarlo y ensuciar el brillo persigue cambiar la percepción de la joya, para conferirle un aspecto pictórico y así despojarla de su vacía superficialidad como adorno. He pretendido hibridar la escultura y la pintura para apartarla de una lectura meramente decorativa.

La transformación de la materia por los propios fenómenos atmosféricos, o la intervención del hombre en ciertos espacios, han proporcionado distintos resultados plásticos. El artista madrileño Lucio Muñoz dejaba tablas de madera en la terraza de su estudio, durante meses, con el objeto de que fuera la propia naturaleza la que transformara el material.

La escultura El peine de los vientos es la obra más importante y popular del escultor vasco Eduardo Chillida, mezcla de Informalismo, Minimalismo y Land art. La obra es un conjunto de tres esculturas de acero incrustadas en las rocas del mar. Éstas se encuentran situadas en el paseo de la playa de Ondarreta de San Sebastián. Las esculturas están formadas por varios brazos de sección rectangular que se entrelazan, creando una maraña que parece peinar el viento. El agua del mar oxida el metal y el viento lo erosiona modificando constantemente su textura y color.

El Museo Chillida Leku se encuentra en Hernani (Guipuzcoa), un lugar donde las esculturas de los jardines se pueden tocar, por lo que el visitante siente la fuerza de los materiales. La escultura en contacto con la naturaleza, fuera del museo, en constante transformación, contrasta con otras obras del interior del museo que permanecen inalterables.

La vegetación, los seres vivos, el mundo del paleolítico y la edad media fueron la inspiración para la intervención que Agustín Ibarrola hiciera en el 2001 en los bloques de hormigón del espigón del puerto de Llanes (Asturias), con el título Los cubos de la memoria. Las pinturas sobre los grandes y apilados bloques de este espigón portuario tienen variadas composiciones, con un tratamiento estético capaz de componer una obra integrada a modo de potente mural o de poderoso conjunto escultórico policromado de variados escorzos, que se puede contemplar desde diversos puntos de observación, próximos o lejanos. Es la obra de un artista interdisciplinar, como se considera a sí mismo el propio Ibarrola: "Ni estrictamente pintor, ni exclusivamente escultor, ni por supuesto arquitecto del paisaje como algunos afirman".

A Roger Buergel, director de la Documenta de Kassel, debido a la polémica suscitada al incluir a Ferrán Adriá en ésta, se le preguntó qué es arte o qué no lo es, y el respondió: “lo importante es innovar y ampliar conceptos; la cocina es una disciplina nueva en el arte”.

El arte se transforma, se mezcla. Unas disciplinas se impregnan de otras y se enriquecen; prueba de ello es la cocina de El Bulli de Ferrán Adriá, que ha llegado a la Documenta de Kassel XII. ¿Quién hubiera imaginado que entrara la cocina en el mundo del arte? Adriá transforma lo comestible en pequeñas esculturas o construcciones arquitectónicas con cromatismos pictóricos. Penetra en nuestros sentidos intentando ir más allá de lo que uno ve, huele, come o toca.

Otros ejemplos los podemos ver en Juan Mari Arzak o Quique Dacosta, que traspasan el mundo de la gastronomía. Arzak, en su Graffiti de huevo elíptico, dibuja y pinta sobre un plato/lienzo su obra. Dacosta, chef del restaurante El Poblet de Dénia, emplea materiales tan poco habituales como el oro, la plata, el titanio o el cobre en su vanguardista cocina.

Muy recomendable para entender el diálogo entre cualquier manifestación artística es la película Vatel, dirigida en el 2000 por Roland Joffé. Es una obra que devuelve al cine su valor de elemento agrupador de miles de aspectos artísticos. Se reflejan todos y cada uno de ellos llevados a su expresión más minuciosa y perfecta. El protagonista Vatel, maestro de ceremonias de Luis XIV, pone belleza en cada una de sus creaciones. Es un filme para descubrir y deleitarse con cada fotograma.

A mediados del siglo XX, en Alemania, los joyeros comienzan a utilizar materiales inusuales: aluminio, metacrilato... Los nuevos materiales se tallaban dando la posibilidad de crear nuevas formas volumétricas. La joya continuaba siendo un elemento de diferenciación, de individualización, como había sido siempre; pero se amplia su significado, pues ya no marcaba una diferencia social sino personal. Con este cambio de mentalidad surge el concepto "unisex" y su comercialización se generaliza tanto para mujeres como para hombres.

La joyería, que hasta el momento se aprendía en los talleres, se comienza a estudiar en las escuelas de arte. Después de la Segunda Guerra Mundial se crearon, dentro y fuera de Europa, centros de docencia de joyería como partes integrantes de instituciones académicas.

Con la nueva joyería se modifican los canales de distribución. Se rompen los circuitos tradicionales de la tienda a las exposiciones históricas de artes decorativas y se lucha por introducirlas en el ámbito artístico de las galerías.

La joyería de creación se divide en dos tendencias que marcarán el final del siglo XX. Por un lado, la joya de diseño orientada al mundo de la moda y el diseño industrial, y que tiene por objetivo complacer la demanda del mercado; por otro, la joyería comprometida en expresarse a través de los valores universales del arte como forma de expresión personal y que busca una complicidad con el usuario. Esta última es una joyería creada más por el puro placer estético que por intereses comerciales.

El método del catalán Ramón Puig consiste en que el espectador puede concluir la obra y así tener varias lecturas, surgiendo múltiples interpretaciones, de manera que cada nueva mirada descubra algo nuevo.

Los holandeses Gijs Bakker y Emmy van Leersum emplean aluminio en sus collares y pulseras; el alemán Gerd Rothman plástico para sus broches de una visión marcadamente pop; y los británicos Wendy Ramshaw y David Watkins papel multicolor para sus joyas recortables.

En los años ochenta, los creadores buscaban la máxima espontaneidad y la genialidad del gesto a través de técnicas ajenas a la joyería, como por ejemplo enrollar filamentos de nailon (Carolina Broadhead, Reino Unido), tallar madera (Marjorie Schick, Estados Unidos), etc.

El proyecto que presento consta de seis piezas: un anillo, una sortija, dos colgantes y dos pulseras. Anillo de plata con dos piezas soldadas de cobre oxidado y oro rayado. Sortija de plata estriada con oxidaciones en sus rayas más gruesas. Pulsera de plata de doce eslabones sobre los que se efectuó un dibujo con varias hendiduras. En el extremo de cada eslabón hay un filo de cobre oxidado. Pieza cuadrada de cobre oxidado, sobre una base de plata agarrada a una correa de piel negra. Colgante de plata con piezas irregulares de cobre y latón soldadas y oxidadas. Colgante de plata oxidada, redonda y escalonada que acaba con una plancha de cobre.

Se han empleado dos técnicas en la realización:

-La cera perdida. Consiste en esculpir la pieza sobre un bloque de cera. Una vez modelado se lleva a fundición y obtenemos una primera pieza llamada “original”. A éste se le quitan las rebabas y el bebedero y se termina de facturar utilizando lijas de diferente grosor y, en su caso, limas. Con el original se puede hacer un molde del que obtendremos copias de la pieza. Con esta técnica hemos elaborado los dos anillos y una pulsera (la de eslabones cuadrados).

-Transformación del metal. Una vez fundido el metal se trabaja mediante el laminado (metal en plancha) o el trefilado (metal en hilo redondo o cuadrado).

El siguiente paso en la transformación del metal, se realiza con sierras, martillos, limas, embutidores, etc., hasta que conseguimos las diferentes partes que forman el todo de una pieza.

Para el acabado de las piezas, éstas han sido sometidas a un proceso de oxidación y rayado. Para oxidar la plata hemos empleado el sulfuro potásico. Las rayas se han conseguido por medio de lijas gruesas para obtener rayas finas, o bien buril que nos ha permitido rayas más gruesas y profundas.

La joyería era una disciplina desconocida para mí, pero gracias a una buena interpretación de la idea he podido conseguir resultados satisfactorios, que me llevarán a la realización de nuevos trabajos en equipo. La ejecución de cada pieza nos ha descubierto diversas posibilidades de transformación del metal, tanto en su volumen como en su color. En el caso de los moldes de cera, cada raya significaba un registro de huellas que había que estudiar minuciosamente dado que podían resultar exageradas o imperceptibles al trasladarse a la fundición del metal.

Las oxidaciones han conseguido unas calidades cromáticas de paisajes abstractos cambiantes, adheridas a esas pequeñas piezas que nos evocan los campos de color de los expresionistas abstractos americanos o el materialismo de los informalistas europeos.

El proyecto engloba el deseo de búsqueda de un pequeño objeto artístico, dirigido hacia el usuario que no encuentra una joya diferente, lejos del estereotipo. He querido acercarme a esa estética que ponga en alerta los sentidos.

MÚSICA PARA EL AHORA

Alba Doldán

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Voy a explicar el proceso que me ha llevado a realizar el trabajo, desde mi vocación músical, hasta la búsqueda llevada a cabo y cómo me voy planteando unos objetivos.

Desde un principio mi intención fue la de hacer uso de la música para mi proyecto ya que considero que es una arma de mucha fuerza que se ha empleado muy poco para estos fines. La música siempre ha tenido un fuerte potencial unificador para el ser humano ya desde la prehistoria. En ritos religiosos, ceremonias y celebraciones la música ha sido un elemento muy importante.

En la actualidad la música se ha banalizado, se ha convertido en producto de un mercado sin exigencias que absorben lo que les lanzan. La música ya no es algo espiritual, vivido, sentido, sino una acumulación de acordes y ritmos que han sido repetidos hasta el aborrecimiento. A parte de lo que se hace en pequeños círculos que rara vez se puede adquirir fácilmente en los comercios, la música que se está vendiendo ya no tiene una intención que no sea la de ganar dinero, conseguir la fama o incluso transmitir mensajes contradictorios y discriminantes. En España lo hemos sufrido continuamente.

Tenía claro el medio por el cual quería transmitir un mensaje, pero todavía no sabía bien qué queria decir. Pero el tiempo de búsqueda coincide con el hallazgo de un libro: El poder del ahora de Eckhart Tolle, que determinará mi camino por el proyecto.

Todos tenemos una mente, que como los pulmones, las manos, la lengua, el corazón…, es un instrumento que debemos de saber cómo y cuándo usar. La mente tiene el poder de crear pensamientos, de almacenar en la memoria, recordar. Esto es bueno siempre y cuando sepamos dejarla descansar, sino, nos enfrentamos a continuos egos, miedos y conflictos. Vivimos en el pasado o en el futuro. Por otro lado está la conciencia, la que realmente nos permite estar en contacto con el ser. La conciencia tan sólo podemos sentirla cuando vivimos en el presente.

El problema es que hoy en día, la mayoría de las personas vivimos en continua identificación con la mente, y por lo tanto con el ego, lo que provoca un malestar general y continuo que se nota hasta en los rostros de las personas.

¿Cuál es la solución a este conflicto? Pues como ya he mencionado anteriormente, residiendo en el ahora. Es decir, sintiéndonos presentes en cada momento. Sintiendo que somos parte del mundo, que somos una célula en un organismo conjunto. Sintiendo la luz interior de cada uno puesto que la felicidad se lleva dentro. Esa quietud que sentimos cuando observamos una puesta de sol, o esa sensación que sentimos cuando estamos tocando un instrumento o pintando que nos hace sentir llenos, no es más que nuestra propia presencia.

Meditándolo bien, la música es un buen elemento que nos mantiene atentos al presente, y más cuando es en directo, ya que estamos al 100% de lo que está ocurriendo cuando estamos atentos a la melodía y a lo que transmite.

Queriendo transmitir esta maravillosa información que acabo de relatar, por necesidad de que todo el mundo la conozca, me planteo poder iniciar a los demás en su viaje con una performance musical en la que yo me sitúo cómo guía espiritual por unos minutos, recitando y cantando a un público con los ojos cerrados. De este modo consigo que su atención esté en el ahora, mostrándoles el camino hacia su interior.

La performance tuvo lugar el 11 de Mayo en el Black Note y en ella se involucraron cuatro músicos, un cámara y un técnico de sonido. Entre los músicos había un pianista, contrabajista, guitarra y bateria. Los espectadores podían acomodarse a su antojo y debían de taparse los ojos con unas vendas que se repartieron.

Con esta performance pretendo dar a conocer una información , mediante los recursos que tengo a mi alcance, transformando y haciendo mío el mensaje. Tan sólo pretendo poder promover la felicidad en un mundo que veo que poco a poco se va acostumbrando a ver las cosas de un color demasiado gris.

UNA CULTURA TRADICIONAL POPULAR

Teresa Alemany Such

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El projecte que a continuació vaig a presentar-vos l’he anomenat “Una cultura tradicional popular”. Aquest consisteix en cinc quadres als quals tractaré el següent tema: la cultura d’una comarca, la Comarca del Comtat. Dins de cultura comprendré diferents aspectes: les tradicions, les costums, les festes, els jocs populars i els productes típics de la zona. En cada quadre representaré un d’aquestos.

Aquest tema te molta importància per a mi, ja que quan estic a València trobe molt a faltar la meua terra i és quan m’adone de les diferències que hi ha en quant a l’estil de vida i a les costums.

L’objectiu d’aquest projecte és mostrar la cultura de la meua zona mitjançant cinc quadres, i transmetre una forma particular de vida, de gent i de valors.

Abans d’introduir-vos al tema, definiré els conceptes de cultura i tradició:

Cultura és tot allò que existeix en el món i que ha segut produït per la ment i la ma humana. És el desenvolupament, intel·lectual o artístic. És la civilització.

Tradició és tot allò que una generació hereta de les anteriors i per estimar-ho valuós arriba a les següents. Valors, costums i formes d’expressió artística característics d’una comunitat.

Com he comentat anteriorment, dins de la cultura de la Comarca del Comtat he comprengut varis subtemes, els quals vaig a nomenar: les festes tradicionals (parlaré de les danses), els jocs populars (em centraré en la pilota valenciana), la gastronomia típica, la cultura de l’oli i finalment els ametlers.

La Comarca del Comtat està situada al sud de la Comunitat Valenciana, al nord de la província d’Alacant i està rodejada de moltes serres. La formen vint i tres pobles.

Una de les festes més tradicionals són les danses. La festa de la dansà es celebrava antigament en temps de la collita del blat. A l’any 1979 comença el seu camí com a Grup el Grup de danses Baladre, el més important i conegut a la Comarca, quan alguns amics es plantegen recuperar les danses, la música i la cultura popular que va restant en l’oblid. Als seus espectacles toquen i ballen rondalles, al so de les dolçaines, tabaletsls i guitarres.

Per poder conèixer el Grup de danses Baladre, he anat a la seua seu i he fet fotografies d’una dansà. També els components del Grup m’han cedit alguna foto per poder utilitzar-la per al projecte. Per a representar les danses, he pintat un senyor i una senyoreta practicant la dansà.

Dins dels jocs populars, el més rellevant és la pilota valenciana. Aquest té diferents modalitats. S’agrupen en Jocs Directes i Jocs Indirectes.

Jocs Directes són aquells en què s’enfronten dos equips que ocupen camps oposats, llançant la pilota els un contra els altres intentant que la falta es produeixca en el camp contrari per obtenir punts.

Jocs Indirectes són aquells en què s’enfronten dos equips que ocupen tots el mateix camp, llancen la pilota contra un element intermig (un mur anomenat frontó) que retorna la pilota per rebot, per tal que la jugue l’equip contrari que l’ha llançada.

Els camps de joc són el Trinquet, la Galotxeta, el Frontó, el Carrer Natural i el Carrer Artificial (aquell que ha segut construït com a conseqüència de les condicions urbanístiques de la vida moderna.

Per a conèixer i entendre aquest joc vaig assistir a dos partits de pilota valenciana i vaig fer fotografies. Per representar aquest joc popular, he pintat la ma d’un jugador al moment en què colpejava la pilota.

La gastronomia típica del Comtat és l’anomenada “de casa llauradora”. A continuació nomenaré els plats més típics de la zona: la borreta (un plat calent d’espinacs, abadejo, creïlles i “ñores”), el blat picat (blat, cigrons, porc i verdures), els embotits, la pericana (pebreres roges seques, abadejo i oli d’oliva) i bajoques farçides (pebreres roges plenes d’arrós amb magre i tomaca).

Per a representar la gastronomia al meu projecte, he pintat unes bajoques farçides.

La cultura de l’oli és molt rellevant a la Comarca, ja que aquesta zona és rica en oliveres i a més són de molt bona qualitat.

Les instal·lacions tradicionals on s’extrau l’oli d’oliva reben el nom d’almàsseres. L’extracció de l’oli es pot fer per dos mètodes: pel de centrifugació o pel de pressió, que és el sistema clàssic. En aquest mètode, la pasta procedent de les olives mòltes es bat i es repartix en cabassos per a sotmetre-la a pressió en premses hidràuliques.

En el procés d’elaboració de l’oli es distingeixes tres fases: la primera és la fase de recepció, netetja i enmagatzenament, la segona la preparació de la pasta, i la tercera i última la d’enmagatzenament i conservació de l’oli.

El meu treball sobre l’oli ha consistit en visitar una almàssera que han exposat com a museu, amb la mola de pedra i tots els instruments que s’utilitzaven antigament per fer l’oli.

Per a representar la cultura de l’oli, he considerat oportú pintar una rameta d’olivera, ja amb olives.

Per últim, parlaré dels ametlers, uns dels arbres que més abunden i més típics de la Comarca del Comtat. He triat aquestos per al meu projecte per ser uns dels més característics de la zona.

L’ametler és un arbre caducifoli. Les flors aparèixen abans que els fulls i són de color blanc rosat. Es recolecta des de Juliol fins a Setembre. D’aquestos arbres s’afirma que són l’anunci del bon temps i el final dels freds hivernals. Té propietats medicinals; les ametles s’utilitzen per a tractar malalties de la pell, per a curar cremades superficials i dermatosi.

Per al meu treball he fet fotografies dels ametlers florits, que són quan més criden l’atenció, per la seua bellesa. Per a representar-los he pintat una rameta d’un ametler florit.

El resultat del projecte consta de cins quadres de 60x60 cm tots, realitzats en tintes planes. Cadascun d’ells representa una costum, una festa, un joc, una tradició de la meua cultura.

DIÁLOGOS

Diana Lozano

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La idea principal de este proyecto surge de la relación existente entre las imágenes, teniendo una gran importancia la imagen publicitaria, y la sociedad.

La publicidad actúa a través de los medios de comunicación desempeñando un papel crucial en la civilización industrial urbana, condicionando todos los aspectos de la vida cotidiana. La publicidad se apoya en el estudio de la imagen (sintaxis, retórica, psicología de la percepción...), y en estudios más ámplios como la mercadotecnia, sociología, antropología y la estructura de carácger social. Junto a todo esto, la publicidad nos marca unos estereotipos y una estética, pretendiendo que adoptemos determinadas actitudes.

El concepto de estereotipo, según Walter Lippman en su libro Opinión Pública (1922) lo utiliza para referirse a las “imágenes que están en nuestra cabeza y se resisten al cambio”. Y suele ser negativo si lo vemos como que degrada el pensamiento individual hacia una “casi esclavitud de fórmulas predefinidas que se oponen a un razonamiento crítico", el cual no está abierto a tener experencias nuevas o diferentes. Además de que aparece anclado en prejuicios (esencialmente ii¡racional a menos que pueda demostrarse que la idea original sea el resumen exacto y meditado de experiencias anteriores).

La publicidad se vale de la comunicación, pues en mi proyecto utilizo las teorías de ciertos autores que escriben sobre ciertos aspectos de la comunicación. Por ejemplo:

-Wilbur Schramm define la comunicación colectiva como una comunicación interpersonal “si el receptor recibe el mensaje, lo descifra y envía otro, entonces da por resultado un proceso dialéctico”. Y tiene 3 elementos fundamentales: La fuente, que puede ser una persona o organización informativa. El mensaje que puede tomar cualquier señal que pueda interpretarse. El destino que puede ser cualquier persona que entienda las señales que la fuente emita.

-Bernard Berelson concede una especial importancia al contenido, opina que: “El análisis del contenido es una técnica de investigación que sirve para describir objetivamente, sistemáticamente y cuantitativamente el contenido manifiesto de la comunicación, además de entenderse el conjunto de significados a través de símbolos ya sean verbales, musicales, pictóricos, plásticos, mímicos…" Todo esto constituye la comunicación. Mediante el análisis se puede hacer la valoración de los diferentes modelos de comunicación:

-evaluación de la eficacia de la comunicación con relación a modelos sociológicos.
-evaluación de la eficacia de un trozo de contenido comparado con otros.
-evaluación de la eficacia de un trozo del contenido comparado con una fuente ajena al mismo.

El segundo componente del contenido es la forma, y con esto quiere decir que la unidad de registro es la porción más pequeña, mientras que la unidad de contexto es la porción más grande del contenido.

-David K. Berlo indica que la comunicación debe ser: coherente, sencilla, y dirigida a un solo objetivo, este objetivo consiste en provocar una determinada conducta. No se debe divagar o establecer comunicación ambiguamente, debe hacerse de tal forma que seamos entendidos.

-Y para terminar con la parte de comunicación, Abraham Moles estudia los fenómenos de la comunicación humana, aportando una metodología original: La comunicación puede ser interpersonal o por difusión. Los elementos del acto de la comunicación son: un emisor, un receptor, un canal y un mensaje; unos estímulos materiales o fenómenos de la naturaleza física; estímulos sociales. Aunque la comunicación sólo puede ocurrir cuando un emisor y el receptor poseen un lenguaje común, un repertorio o un código.

El proceso técnico:
-Selección imágenes revistas.
-Deconstrucción del contexto del contenido y construcción otro contenido.
-Hibridación Imágenes y pintura teniendo en cuenta las teorías de comunicación antes citadas.
-Bocetos digitales y sobre soportes físicos.

Materiales y tecnologías:
-Revistas, fotocopias
-Acrílico, látex, pigmento, y papel.
-Y por la parte tecnológica utilizo cámara fotográfica, escáner, impresora y el programa Photoshop.

Conclusiones de la hibridación:
La hibridación se realiza cuando se superponen imagen y pintura para conformar otra imagen con otro mensaje diferente partiendo de un lenguaje abstracto. Los elementos se configurarán en el plano sin un orden concreto. He experimentado la variación del orden de los elementos en el proceso, conformando una estructura aparentemente escondida, que sólo resulta visible si se entiende el proceso realizado en el plano.

RETRATOS: CUANDO YA NO HAY DISFRAZ

Irene Rus

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Este proyecto se fundamenta sobre todo en la investigación de la expresión facial como aliciente para el entendimiento social entre individuos. Pero antes, para su mejor comprensión, os presentaré a continuación los contenidos a tratar:

El proyecto nace sobre el concepto de “huella”, según la R.A.E, “huella” significa “rastro o seña, vestigio que deja alguien o algo”, y es en esta tercera parte del significado en la que se centra la base del proyecto: vestigios que quedan interiorizados en cada una de las personas, a partir de las relaciones del día a día, emociones que experimentamos al percibir algo que despierta nuestros impulsos y dejan mella en nosotros.

El poseer el control de todas estas huellas hacen de nosotros las personas que queremos ser (o por otro lado, las que creemos ser), y con esto, enterramos esas otras que nos desagradan, formando esa personita que nos guardamos para nosotros mismos, la que ocultamos.

Carl Gustav Jung explica este comportamiento dividiendo la psique humana en tres partes:

-La personalidad consciente: es la única parte de la mente que conocemos directamente, y la que porta nuestra identidad personal: la que damos a mostrar.
-El inconsciente personal: es el conjunto formado por aquellos pensamientos, emociones y recuerdos reprimidos o superficialmente olvidados por la persona. Pueden emerger, según Jung, en situaciones extremas, estados hipnóticos, sueños o éxtasis artísticos. Es lo que se denomina “alter-ego”.
-El inconsciente colectivo: parte de la psiquis que se halla más allá de la razón, pero del que no voy a hablaros porque no tiene mayor trascendencia en el proyecto.

El proyecto continúa desde el segundo estadio de la psique: el inconsciente personal, más en concreto desde los complejos. Del que hablaré será del de “persona”, del latín persōna y del griego prósōpon, que etimológicamente significa “máscara de actor, personaje”.

Cada individuo, a medida que crece, adopta varios roles con los que se identifica a lo largo de su vida (hija/o, alumna/o, madre/padre, etc…) los cuales asume y adopta como personalidad consciente.

Pero, en contraposición, se encuentra la otra parte de la “persona”, la “sombra” o “alter-ego”, que, como se ha dicho antes, es el contenedor de todos aquellos impulsos y emociones reprimidas, y por lo tanto, no asumidas; que pueden emerger como identidad propia causando reacciones incomprensibles incluso para la propia persona.

Estos comportamientos se pueden traducir en expresiones, gestos o tics que delatan nuestra manera de recibir estos estímulos.

Este análisis "jungiano" sirve para explicar hacia dónde deriva el proyecto: hacia todas aquellas expresiones causadas por el disfraz de actor con el que nos identificamos cada uno de nosotros.

La finalidad de este proyecto:

-Investigar sobre la expresión facial causada por los estímulos y percepciones de nuestro entorno, a partir del “acción-reacción”.
-Interiorizar la importancia de la expresión facial para el mejor entendimiento entre individuos.
-Analizar el contraste entre “actor” y expresiones no controladas.

Como acabo de mencionar, una de las finalidades del proyecto consiste en la investigación de las expresiones del individuo cuando es sometido a una serie de estímulos y emociones que son dadas en un entorno social, cuando éste es susceptible a estos estímulos, deja a un lado su rol de actor y comienzan a surgir estas expresiones que reflejan cuál es realmente nuestro comportamiento a este estímulo: expresiones no controladas.

Empezando a frecuentar y provocar redes sociales entre individuos para que éstos se olviden de su papel de actores y comiencen a ser susceptibles a los estímulos que les rodean, de manera que las expresiones que reflejen sean totalmente casuales.

La cámara fotográfica, evidentemente es la mejor manera de captación de estas expresiones, ya que nos permite congelar los instantes en los que aparecen estos reflejos del sujeto.

Para acentuar más el contraste entre el individuo como “actor” y las expresiones no controladas de éste, se les pide a los presentes que posen para una foto normal y corriente, de manera que se verá una clara diferencia entre qué expresiones son con las que el individuo se identifica y, con lo cual, muestra a los demás, y qué otras no son controladas.

El resultado consta de seis imágenes fotográficas en blanco y negro, ya que la información cromática está supeditada a la información expresiva, que es la que interesa para el proyecto. Sus medidas serán de 50x70 cm. sobre soporte rígido.

VIDA Y MUERTE DE LA NATURALEZA Y SU RESURRECCIÓN COMO ARTE

Rafa Vicente Climent

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Con la intención de denunciar la grave situación medioambiental de nuestro planeta, el proyecto se propone tratar de concienciar a la gente en materia de ecología, exponerles el problema del mal estado de nuestra naturaleza, informarles de conductas abusivas como la tala masiva de árboles y las emisiones de gases perjudiciales provocadores del efecto invernadero y mostrarles sus efectos sobre la naturaleza, para así intentar sensibilizarlos.

Para tratar de sensibiizar sobre lo argumentado anteriormente, nuestro proyecto consistirá en una exposición multidisciplinar en la que se barajarán estos conceptos sin olvidar la parte estética.

La acción comenzará con la búsqueda por montes de la comara de La Safor, en la provincia de Valencia, de un árbol muerto, para utilizarlo como símbolo del grave estado medioambiental del planeta y al mismo tiempo usarlo como leit motiv de la muestra.

El recorrido de la exposición comenzará con la proyección del video de la búsqueda, además de una muestra fotográfica a la que adjuntaremos el material conceptual por medio de paneles informativos, preparando así al espectador sobre la idea básica de la obra.

Para realizar esto la idea es separar el espacio expositivo del espacio informativo, para ello colocaríamos la pantalla con el video en continua proyección, así como las fotografías y los paneles informativos en un espacio situado al principio de la sala, creado con la ayuda de un muro prefabricado o un biombo, obligando al público a acceder a dicha zona antes de pasar a la zona de las pinturas y esculturas. Con esto, como hemos mencionado anteriormente, condicionaremos la mirada del espectador que se situará desde los parámetros de la denuncia medioambiental haciendo que observe la obra no como mero arte, sino como arte surgido a parir de unos conceptos determinados.

Ya en el área de las obras, les presentaremos en el centro de la sala el conjunto escultórico compuesto por el árbol muerto original rodeado por sus copias escultóricas, como una especie de bosque artificial, muerto, tratando de impactar de esta manera sobre el visitante.

Por último, en la pared del fondo se instalarán una serie de dibujos de tinta china sobre papel, distribuidos por el muro formando un gran árbol, dejando las pinturas para las dos paredes laterales, obteniendo así un recorido coherente por lo que supone la acción: primero la búsqueda y constatación del frágil estado de nuestra naturaleza y después la plasmación plástica de la denuncia frente a este hecho.

DESCOMPOSICIÓN

Elisa Cantó

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La idea es realizar un políptico de grandes dimensiones que funcione como una descomposición, es decir que no se vea en su totalidad sino en principio sólo en partes.

El boceto que les presento corresponde al políptico de 2,4m x 4,38m. (d.1) y es un cubo en perspectiva con tres puntos de fuga que alberga 6 paralelepípedos en 6 de sus vértices y que mediante trasparencias se aprecia en todas sus partes.

El boceto lo he dividido en 24 unidades para trasladar a lienzos de 60 x 70,3 cm. con lo cual intento conseguir abstracciones en las que aparecen colores y líneas y que funcionan como cuadros individuales (d. 3)

He oído continuamente como espectadores, ante una abstracción, hacen comentarios de extrañeza o despectivos pensando que el pintor se burla de ellos, por lo que paralelamente a la exposición individual de los cuadros introduciré diversas fotografías a tamaño algo más reducido del políptico completo ordenado y desordenado. También, en fotos, dípticos, trípticos o polípticos diversos, ordenados o no.

En cada uno de los cuadros puedo aplicar giros de 90º,180º y 270º con lo cual se pueden obtener cuatro variaciones de una misma imagen.

Creo que esta experiencia puede ser interesante ya que podría en el futuro intentar otros proyectos a partir de un paisaje, un retrato, un bodegón etc.

EL ROJO SIENTA BIEN A TODOS

Teresa Atienza

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Con este proyecto obtengo una doble satisfacción: realizar el objetivo de la asignatura Proyectos I aportando a su vez un grano de arena al mundo de la oonación de sangre, que es mi vida profesional.

Trabajo en el Centro de Transfusión, llevo veinte años y conozco la preocupación que supone tener las necesidades de sangre bajo mínimos. En la Comunidad Valencina, tenéis que saber que son necesarias todos los días 800 bolsas de sangre, (si, habéis oído bien 800 bolsas de sangre), y esta demanda hace que siempre estemos buscando recursos y campañas, ya que como todos conocemos, hoy por hoy, la sangre no se puede fabricar, no existe ningún sustituible y por tanto se depende únicamente de la voluntad altruista de las personas.

Objetivo. Con este trabajo se pretende concienciar a la población de la Universidad Politécnica de Valencia para ser donante de sangre de forma mayoritaria. El medio es el idóneo: 35.000 personas entre estudiantes, profesores y resto de personal, y tan sólo 800 donantes. Gente joven, que garantiza una fidelización de largo alcance.

Todos sabemos que las campañas son necesarias en la comunicación social, pero también nos hemos percatado que entre la información, y el acto, existe una brecha importante: todos sabemos lo pernicioso que es fumar, beber, consumir drogas, etc. Es decir, estamos bien informados, y sin embargo el mensaje tiene una efectividad solamente relativa. Cada uno de nosotros habla su propia lengua, y su subjetividad marca el límite. La información, la norma y lo razonable, no son suficientes.

Encontrar un mensaje, o una motivación que llegue a todos no es fácil. Este trabajo se plantea en tres partes:

1) Trabajo de campo. Se ha planteado mediante una encuesta con tres bloques de preguntas, dando a los encuestados la posibilidad de responder una o varias opciones. El objetivo es conocer el grado de información sobre la donación de sangre en el grupo diana y describir el perfil del estudiante no donante, indagando los motivos por los cuales no donan, y aquellos otros que inclinarían al estudiante a donar. Con todo ello, podremos pensar un eslogan, motivando la parte más débil de la estadística. Para ello, se han realizado 242 encuestas entre estudiantes de la UPV, no donantes, siendo 122 hombres y 120 mujeres. A su vez, se ha segmentado la muestra por edades, componiendo tres grupos: entre 18 y 22 años (136 individuos), entre 23 y 29 años (80 individuos) y mayores de 30 años (26 individuos).

Como decía, se han creado tres bloques de preguntas:

a) Motivos por los que nunca ha donado sangre (10 posibles respuestas).
b) Motivos que inclinarían a donar sangre (8 posibles respuestas).
c) Otros aspectos relacionados.

Los resultados obtenidos permiten, como aspectos generales, comprobar que:

-No existen diferencias significativas entre las respuestas de hombres y de mujeres.
-Igualmente, los grupos de edad configurados no han presentado resultados diferentes.
-Existe, un conocimiento suficiente de los aspectos generales de la donación, ya que un 89% de los encuestados sabían que el CTCV organiza donaciones en la UPV, el 77% sabía que la sangre es insustituible y sólo depende de la voluntad de las personas, y un 57% conocía, o había oído hablar del Centro de Transfusión de la Comunidad Valenciana.

Entrando ya de lleno en los aspectos más concretos, conocemos que, entre los motivos por los que no se dona sangre, destacan:

-La dejadez o falta de planteamiento con un 54% de contestaciones afirmativas.
-El miedo al pinchazo, que alcanza al 46% de los encuestados.
-La falta de tiempo, que ha sido estimada por el 25% de la muestra. En cuanto a las motivaciones más importantes para donar, se señalan:
-La más alta con un 83%, la necesidad de un familiar o conocido.
-Un 60% lo haría como práctica solidaria
-Un 48% siempre que se asegure la ausencia de riesgo.

Por tanto, pueden extraerse como conclusiones más relevantes:

-La falta de reflexión e información conduce a una falta de interés por el tema.
-Miedo a lo desconocido, al dolor.
-Rechazo a la sangre como abyección.
-Desconocimiento como práctica segura.

2) Vínculo de colaboradores. Llevar este proyecto tan ambicioso resultaría imposible sin la colaboración de: Delegación de Alumnos, Decanos y Vicerrectores, y Centro de Transfusión de la Comunidad Valenciana.

2.1 Delegación de alumnos. Debo destacar mi agradecimiento a Ximo Mora coordinador técnico, que ha volcado su mayor esfuerzo facilitándome los medios oportunos. En una primera reunión con el Presidente de Delegación de Alumnos, Santiago Palacios, la idea fue recogida como interesante, aceptando conceder un crédito a los estudiantes que quisieran formar parte de una red de promotores de la donación, que son los que iban a divulgar la información. Alumnos de Diseño, que trabajan en la Delegación, diseñaron unos carteles, sobre los que hice una elección para llamar a la convocatoria. Se inscribieron veintisiete alumnos de diversas Escuelas, aunque la mayoría han sido de Arquitectura y Caminos. El 27 de Abril se convocó a todos en el Aula de Presentación (café incluido) de la Casa del Alumno, donde se impartió un Taller de Formación, durante cuatro horas. Fue interesante y proactivo, con inquietud por el tema, aunque ellos reconocieron que se habían apuntado por el crédito otorgado.

2.2 Decanato y vicerrectores. Me puse en contacto con D. José Antonio Marzal Sorolla, Jefe de Servicio de Prevención y Salud laboral, el cual traslado mi inquietud a D. ª Pilar Santamarina y Jefes de Estudio. De este segundo eslabón he obtenido el apoyo institucional, mostrando gran interés como proyecto sociocultural. Han puesto en marcha el despliegue de medios de comunicación, tanto por radio, como por televisión de la UPV. El día 27 de abril –día del Taller-, se les hizo a los estudiantes una entrevista por radio, junto al Director del Centro de Transfusión. El lunes 11 de mayo, celebramos una rueda de prensa, el Dr. Roig y yo misma, en la que tuve la oportunidad de dar a conocer cómo surge la idea, el desarrollo de la misma, y siempre desde el punto de vista de alumna de Bellas Artes, como proyecto de la asignatura del profesor Miralles. Con toda esta implicación se consigue instaurar el “Día del Donante Universitario”. Es decir, a partir de ahora, habrá un día en la segunda semana de Mayo, en el que la Universidad Politécnica de Valencia organizará el “Día del Donante Universitario.

2.3 Centro de Transfusión. Este hecho ha sido el más fácil para mí, por la accesibilidad del personal. Se elaboró un programa educacional para los alumnos promotores. El programa, fue presentado por mí, contó con la Dra. Ample, Jefe de Servicio de Hemodonación, impartiendo un breve recordatorio sobre la hematología: la sangre, sus hemoderivados, funciones, etc. Por su parte, el Dr Roig, Director del Centro de Transfusión, presentó el tema: Marketing, como instrumento para alcanzar la demanda. Y por último, la Dra. Chaves, coordinadora de los Equipos Móviles, ocupó dos horas con un Taller práctico y una puesta en escena “Vender la cabra” sobre cómo contraargumentar los motivos de los posibles donantes para no realizar la donación. Se trabajó especialmente el tema “Miedo al pinchazo”. El Taller duró cuatro horas. De los veintisiete alumnos inscritos, acudieron veintiuno. Los alumnos, además de este Taller, debían realizar dieciséis horas pasando la información por todas las escuelas, ágora y cafeterías. Posteriormente se organizaron por grupos, horarios y escuelas, dando cobertura a todos los lugares. El día 14 (Día de la Donación) deberemos contar con su presencia para colaborar en la recepción de los donantes. Los alumnos en todo momento están tutelados por la Casa del Alumno. Además, el Centro de Transfusión dotará de los medios logísticos apropiados: personal, regalos, bocadillos, etc. 3 Apoyo artístico. El título El rojo sienta bien a todos, suena bien pero no era suficiente para conseguir el grado de motivación necesario. Lo que está claro (además corroborado por la encuesta), es que hay que vencer una resistencia o inhibición natural para conseguir que los no donantes se acerquen a “poner el brazo”. Por eso al final me decidí por la frase “Siempre hay una primera vez”, apoyándome, a su vez a una frase con claras referencias a mi actividad artística. “Comp-ARTE el color de la vida”.

 Los bocetos de los carteles han sido variados: en monotipos, con tintas calcográficas, con nogalina, y después de comprobar los resultados obtenidos, me he decidido por dos carteles que, a mi juicio y con las limitaciones de no ser una experta en cartelería publicitaria, presenta unos rasgos pictóricos aceptables.

Pero no quería terminar mi proyecto sin poner una especie de broche final. Por ello, me he decidido por un cuadro de dimensiones grandes, con técnica mixta en el que aparece una gran flor de loto, semiabierta. Esta flor representa la esperanza. Para muchas culturas es la expresión del éxito frente al fracaso. Con ello abro una puerta al convencimiento de que este hito, que ahora nace, perdurará en el futuro, y podrá hacerse extensible a otras Universidades.

INTERNOEXTERNO

Antonio Lorente

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Diferencias de un mismo cuerpo. La idea del proyecto es tratar las diferencias entre el cuerpo interno y externo. Principalmente me centro en cuestionar la belleza, enfrentando un mismo cuerpo desde diferentes puntos de mira, mostrando la belleza de un cuerpo bello, apolíneo, el cual pertenece al terreno de lo visible e incluso de lo estético; en contraposición con el lado abyecto que forma nuestro cuerpo, vísceras y diferentes órganos vitales. Dejando claro que por muy bello que deje de ser un cuerpo, su interior nos provoca asco y rechazo visual. Apariencia externa. La apariencia es algo que nos preocupa a todos, dejando un poco más olvidado el sistema interno. Aunque mi proyecto no hable del cuidado del cuerpo, es interesante hacer una reflexión sobre el desinterés y despreocupación hacia lo que nos hace estar vivos. Existe un cuidado obsesivo por la piel, el rostro, y la imagen exterior para proporcionarnos seguridad, a la hora de relacionarnos y sentirnos bien con nosotros mismos. Pero se nos olvida lo más importante, el cuidado interno. El tabaco, el alcohol y no llevar una vida sana, provoca el deterioro de éste y con él las enfermedades. Parece que al no ser posible su visualización, o por estar escondido dejamos de prestar atención y desarrollamos una actitud pasiva en su cuidado. Miedo a la enfermedad. Toda infección o enfermedad empieza siendo interna, y termina saliendo al exterior afectando a toda nuestra capa visible. Esto nos provoca un miedo terrible. Miedo a lo desconocido y oculto, a lo que no puede ser visto con normalidad, miedo a las anomalías que presente y al dolor. La instalación. Está cumpuesta de fotografía, vídeo y sonido. Se compone únicamente de tres cajas, las cuales llevarán toda la información necesaria. Muy lejos de la realización escultórica, las cajas me sirven como soporte de las piezas. Estas tres cajas nos muestran tres fotografías de cuerpos desnudos, previamente perforadas para incorporar videos y radiografías de las "partes internas" del cuerpo. Colocadas en posición piramidal, utilizaré el mismo sistema en cada una de ellas, aunque con diferente información. Una de ellas, la céntrica, nos enseña un vídeo de una colonoscopia, las dos restantes nos muestra dos radiografías iluminadas de cadera. Las cajas realizadas en madera tienen una medida de 1,50 x 70 cm y un grosor de 4 cm. Estas cuentan con perforaciones que nos enseñan, a modo de herida, el interior de ésta. El tamaño aproximado de las perforaciones son de 35 x 40 cm.

CRISÁLIDA DE PLÁSTICO

Josué Bernabé

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Género, cuerpo e identidad como arma política.

Mi proyecto se llama Crisálida de plástico y trata de la construcción de los géneros, del cuerpo, de las identidades y cómo articuladas conjuntamente pueden funcionar como un arma política.

Signos de la identidad. Para el ser humano identificarse supone una necesidad básica, desde que toma conciencia como individuo las personas adoptamos determinadas identidades. La identidad se construye. Pero la identidad es cambiante y siempre se enmarca dentro de un determinado contexto sociopolítico y cultural. Se encuentra en una constante evolución. La construcción de nuestra identidad es fruto del conjunto de identificaciones que una persona adopta a lo largo de su vida. La consolidación de la identidad tiene como finalidad dos rasgos fundamentales, por un lado la de pertenencia a un grupo determinado, sentirnos parte de una unidad y por otro remarcar nuestra diferencia con respecto a los otros, y reforzar nuestra individualidad.

Construcción del cuerpo y de la identidad sexual. En nuestra sociedad el cuerpo biológico, esta fuertemente ligado al significado de nuestra identidad sexual y de género. Existen dos sexos biológicos, masculino y femenino, que se diferencian por los genitales y los cromosomas.

El género. Pero el género corresponde a un orden psicológico y designa a los sentimientos actitudes o tendencias y que se construye al margen de la biología.

Sin embargo el género tradicionalmente se ha mostrado en estrecha relación con el sexo, dotando así dos modelos basados en la reproducción y en la norma heterosexual. Dos sexos (hombre-mujer), el género (masculino-femenino), y el deseo (heterosexual). Esto nos hace adoptar únicamente dos roles en función de nuestro sexo, macho (masculino), hembra (femenina).

Pero el género es el producto de una construcción social y por tanto susceptible de ser redefinido. No tiene sentido perpetuar la creencia de una relación directa entre género y sexo.

El cuerpo. A través del cuerpo se materializan nuestras aspiraciones personales y el deseo de perfección humano y es considerado símbolo personal de nuestra identidad. Cargado de significados, el cuerpo es para nosotros donde la vida empieza a vivirse, es el primer espacio donde fluye lo público y social, el primer espacio donde se dan lugar nuestras relaciones con los otros. Así pues, la realidad se construye a través de nuestro cuerpo. La imagen corporal es considerada como lo natural en relación a las identidades. Se presupone que la biología regula la apariencia física del individuo, y ésta es la que determina nuestra identidad.

Pero, ¿es posible cuestionar esa imagen corporal como reflejo de la identidad? ¿Es lo “natural” un valor que tenga que ser considerado determinante en la construcción de nuestra imagen corporal, y que se corresponde a su vez con la identidad?

Teoría Queer. Queer, en ingles, significa un insulto que designa a toda persona que escapa de la normativa heterosexual basada en la reproducción. Presenta la construcción del género como una cadena de repeticiones ritualizadas, performances que delimitan lo masculino de lo femenino, lo heterosexual de lo homosexual. Los conceptos heterosexual y homosexual no han existido siempre. La biología y la psiquiatría delimitarían el significado de lo que se considera heterosexual, para designar una normatividad basada en la reproducción, en la combinación binaria de opuestos hombre-mujer y conformar así la patología, lo desviado de esa normalidad, la homosexualidad, encerrando en ella todo lo que escapa a esa normalidad.

El cuerpo como territorio político. Esta teoría ha creado un debate en numerosas ocasiones, politizando la propia experiencia personal y convirtiendo el propio cuerpo en un territorio político donde es posible escapar de esa catalogación y subvertir esos roles preestablecidos, considerados naturales y vinculados al sexo.

Crítica transgenérica. La crítica transgenérica puede ser entendida como la superación de los géneros. Los actos transgenéricos no son ya performances ritualizadas sino transformaciones corporales en busca de una articulación subjetiva de todos los recursos corporales, químicos o tecnológicos, que poseemos. Habitar en una condición transgénero es un proceso cargado de connotaciones políticas.

Transhumanismo. El transhumanismo es un movimiento intelectual y cultural que afirma la posibilidad y el deseo de alterar, fundamentalmente el cuerpo humano mediante reconstrucciones artificiales. Así el cuerpo se transforma en un espacio de resignificación político. Una arquitectura corporal, que plantea un cuerpo en constante reconstrucción. Una evolución que nos convertiría en posthumanos, poseedores de un cuerpo repleto de significaciones y definiciones subjetivas basadas en la propia experiencia.

La pieza. En la pieza que planteo intento cuestionar el propio cuerpo y la sexualidad, quiero mostrar estos conceptos como el resultado obtenido de un proceso que se gesta cultural y socialmente. Quiero reflexionar sobre conceptos como re-definir y re-pensar nuestro género o nuestro cuerpo. Mostrar estos conceptos como una simple ficción en la cual podemos intervenir, pervertir y parodiar. Mostrar el género y el cuerpo como conceptos abiertos que podemos re-significar constantemente. Pretendo que el cuerpo se transforme en un objeto en el que podemos intervenir.

Construcción de la pieza: la idea, investigación y posibilidades. Partí de una idea general que llevaba tiempo en mi cabeza, y que ya en anteriores trabajos me había planteado. Conforme investigaba a distintos autores, la idea de mi trabajo tomaba forma y me planteé cúal sería el mejor medio para expresar mi trabajo. Tras ver qué posibilidades me daban los distintos medios que manejaba, llegué a la conclusión de que el video aportaría el tiempo, que necesitaba para contar mi historia, y que al mismo tiempo podría ofrecer una visión más clara de la idea que quería comunicar.